加拿大孟伟越剧艺术传习所 呈献
导赏
Guided Appreciation
十载芳馨 越动枫华
Bronson Centre Music Theatre, Ottawa2026年7月11日
Guided Appreciation
本系列是“孟伟越剧艺术传习所十周年折子戏专场”的节目导赏，旨在为观众提供一把进入舞台的钥匙。下文按演出顺序，为每一折简要介绍剧目的源流、故事、艺术特点与欣赏要点，帮助您在聆听与观赏时更从容地理解细节、感受情绪。无论是否熟悉戏曲，都可以从这里开始，从容走进舞台。
情景越歌
《十载芳馨》
A Scenic Yue Opera Song — “Ten Years of Grace”
一封写给越剧的时光情书
孟伟、史冬梅、钱春晖、陈燕、胡奇志、朱华、王雯、张立虹、钮晓琳、沈渝懿、许玉川、刘仲良、陆宇倩
在孟伟越剧十周年专场演出的舞台上，我们将迎来一个特别的作品——情景越歌《十载芳馨》。这不是一出传统意义上的折子戏，而是一幅用情感、身段与歌声共同织就的音画，是海外越剧人用十年光阴写成的一封献给越剧的深情“家书”。
缘起：一颗种子的远行与生根
节目始于一段深情的叙述。四位学员的回忆，从“家乡舞台的丝竹悠扬”到“撩拨心弦的江南越音”，瞬间将我们带回那个被戏曲启蒙的童年。舞台上的悲喜嗔笑，穿古越今的梨园世界，不仅是艺术的初印象，更是一颗深埋心底的文化种子。
而核心人物孟伟老师的独白，则道出了这颗种子在异国他乡的奇妙旅程。“孑身来到枫叶之国”，一个“孑”字，道出了最初的孤寂与文化乡愁。然而，幸运的是，她“遇到了她、她，还有她——”。这不仅是人与人的相遇，更是灵魂与灵魂的共鸣，是乡音与知音的邂逅。于是，“孟伟越剧艺术传习所应缘而生”。“应缘”二字，巧妙点出了这一切并非刻意谋划，而是因共同的挚爱、在恰当的时机，如水到渠成般自然发生。这，便是海外越剧传承最美的开端。
展开全文 · Continue reading收起 · Collapse
形式：情景交融的崭新诗篇
《十载芳馨》在艺术形式上大胆融合，创造了独特的观赏体验。
“情景越歌”的叙事结构：节目打破了传统戏曲的线性叙事，采用“回忆叙述+身段展示+情感咏唱”的板块式结构。叙述是“根”，交代缘由与心声；身段是“形”，展示越剧独特的肢体美学；越歌是“魂”，将澎湃的情感升华为旋律。三者层层递进，共同构建了一个从现实到情怀、从个体到群体的立体情感空间。
“戏中戏”的身段表演：节目中穿插的【越剧人物身段表演】，是点睛之笔。它并非完整剧目，而是精选的程式化身段与水袖组合。这好比书法中的“飞白”，戏剧里的“潜台词”，让观众在抽象的韵律美中，自行联想那些经典的才子佳人形象，感受“无声胜有声”的戏曲意象之美。
“心声”化的越歌演唱：歌词并非古典诗词，而是参与者们发自肺腑的原创心声。从“越韵低吟，诉一怀心语衷肠”的细腻，到“晶莹的汗水湿透衣裳”的纪实，再到“舞台小天地，演不完古往今来情无限”的升华，它唱的是具体的故事，抒的是普遍的情感。旋律在保持越剧基本韵味的基础上，更显抒情与磅礴，宛如一曲所有爱越人的“主题交响”。
内核：十年耕耘的“情、传、美”
节目的核心，是海外传承越剧的三种精神力量：
“梨园情梦”的执着：这是贯穿始终的情感主线。对故乡文化的眷恋（乡情），对越剧艺术的痴迷（痴情），以及在异国因戏结缘的珍贵友谊（友情），三者交织，化作了“尽情绽放”的内在动力。这份“情梦”，让他们在远离故土的地方，建造了一座精神的“原乡”。
“传习守望”的担当：“艺术传习所”之名，点明了其核心功能不仅是“自娱”，更是“传承”。节目通过众多学员的集体呈现，生动展示了从一个人到一群人、从一个念头到一个蓬勃集体的过程。这是一场自觉的文化守望，让越剧在跨文化的土壤中吐露新芽。
“越动枫华”的绽放：“十载芳馨，越动枫华”是主题，也是成果报告。“枫华”谐音“风华”，既指加拿大的枫叶之国，也喻指越剧艺术在此地焕发的独特风姿与华彩。这是两种文明的美学对话，是中华传统文化在海外生根后，结出的动人果实。
观赏指南：如何沉浸其中
听其“声”：请留意叙述部分语言的感染力，那是故事的开端；更需沉浸于越歌部分的旋律，感受传统板腔体如何与现代抒情歌唱性结合，体会歌词中每一份真挚的情感。
观其“形”：关注身段表演的韵律与造型之美。即使不了解具体剧情，也能从演员的一举手、一投足、一拂袖中，感受到越剧表演的写意、含蓄与优雅。
会其“意”：尝试超越具体的表演形式，去捕捉和共鸣那份共同的情感——无论我们身在何方，对心中所爱的那份文化、那份艺术的坚持与深情，是相通的。节目最动人的，正是这份“此心安处是吾乡”的文化自信与情感归宿。
结语
《十载芳馨》不只是一次表演，更是一次深情的回溯与昂扬的宣告。它让我们看到，戏曲的生命力不仅存在于聚光灯下的经典剧场，也流淌在每一个热爱者的血脉中，生长在每一片有心灵共鸣的土地上。
今夜，让我们共同聆听这封来自枫叶之国的“时光情书”，感受那跨越山海、历经十载却愈发醇厚的——梨园情缘。
折子戏
《毛遂自荐·送征》
Farewell Before Expedition — from Mao Sui Recommends Himself
朱华 饰 毛遂、陈燕 饰 王湘君
剧目源流｜从史书传奇到越剧舞台的慷慨壮歌
《毛遂自荐》的故事源于西汉司马迁所著《史记·平原君虞卿列传》，记载了战国时期赵国门客毛遂自请随平原君出使楚国、以过人胆识促成合纵抗秦的史实。“毛遂自荐”由此成为千古传颂的成语，象征挺身而出、勇于担当的精神。这一题材自宋元以来便常见于话本、杂剧及民间说唱，至近现代，更被京剧、豫剧、河北梆子等多个剧种搬演，成为展现士人风骨与家国情怀的经典剧目。
在众多演绎之中，越剧《毛遂自荐》以细腻的唱做与鲜明的人物塑造独树一帜。该剧由越剧尹派名家尹小芳于上世纪80年代领衔创排并首演，她与李金凤等艺术家共同打磨，将尹派的深沉儒雅、柔中有刚融入毛遂这一智勇兼备的人物形象之中。剧中《送征》一折，更以尹派醇厚的唱腔和极具感染力的情感表达，成为广为流传的经典选段，使这一源自史笔的慷慨故事，在越剧舞台上绽放出别样的动人光彩。
展开全文 · Continue reading收起 · Collapse
故事背景｜一封求援信如何激荡英雄肝胆
越剧《毛遂自荐》讲述的是战国时期，秦国大军围攻赵国都城邯郸，赵相平原君赵胜奉赵王之名，欲选二十名门客同赴楚国求援，合纵抗秦。门下三千客中，名列十九，尚缺一人。正当众人面面相觑、无人敢应之际，平日里名不见经传的门客毛遂，慨然自荐，请求同行。平原君半信半疑，终为其言辞所动，携其赴楚。
《送征》讲的则是邯郸城下、秦军压境之时，毛遂即将护送平原君穿越敌营、奔赴楚国。城内人心惶惶，而他的爱人王湘君深明大义，于城门前设酒壮行。一方是明知前路艰险、仍以天下苍生为念的义士；另一方是将万般柔情暂且深藏、以国事为重的好女子。整场戏围绕“送别”与“托付”展开，在慷慨悲歌与儿女情长之间，交织出铁血与柔情并重的动人篇章。
越剧特色｜吴侬软语如何唱尽家国襟怀
《送征》一折虽为对子戏，却充分展现了越剧音乐与表演的独特魅力：
唱腔之美：旋律婉转中见慷慨，抒情中蕴风骨。王湘君的唱段以傅派或吕派为基，柔美中带着坚毅，唱出“酒一盅，送君行”时，既有儿女离愁，更有深明大义的托付；毛遂的唱段则以尹派为主，醇厚深沉，“身如箭发飞楚郢”一句，以稳健而有力的行腔，将一介门客的报国热血与从容自信层层递进。两人对唱时，一柔一刚、一缠一放，交织成战火硝烟中最为动人的二重唱。
表演之细：越剧表演以“细腻”著称，在这折戏中尤为突出。王湘君斟酒时微微颤抖的手、递杯时欲言又止的眼神、转身时轻拭泪痕的水袖，无一不在诉说压抑的离愁；毛遂接杯时坚定的目光、饮尽后重重顿杯的动作、上马前回身一望的定格，将“壮士一去”的决绝与对人世的眷恋同时凝聚于方寸舞台。两人无需大张大合，仅凭眉眼传情、身段呼应，便将一场生死离别前的家国大义与儿女情深，刻画得淋漓尽致。
戏曲行当｜生旦各司其美，共成一出好戏
毛遂｜小生
小生是越剧最具代表性的行当之一，常演绎风度翩翩、才情出众的男士。本场《送征》以尹（桂芳）派小生应工，尹派小生的深沉儒雅、柔中有刚，极好地表现了毛遂从“门下默默无闻”到“按剑登阶”的智勇兼备与家国担当。毛遂这一角色不同于传统文弱书生，他既有谋士的沉稳与韬略，又有侠士的果敢与血性。尹派特有的醇厚唱腔与内敛表演，将这份“静如处子，动如脱兔”的双重气质拿捏得恰到好处——吟唱“酒一盅”时深情款款，念及“赴楚郢”时则字字铿锵，一静一动之间，尽显壮士襟怀。
王湘君｜花旦
花旦是与小生相配的最重要行当之一，涵盖了大家闺秀、小家碧玉等青春年少、貌美如花的形象。本场王湘君以傅（全香）派或吕（瑞英）派花旦应工。傅派唱腔跌宕起伏、声情并茂，擅演外柔内刚、深明大义的女性形象，与王湘君“战火中送君出征”的复杂心绪高度契合；吕派则明快俏丽中不失沉稳大气，同样能充分展现这位女子在离愁别绪中仍以国事为重的坚韧与清醒。她不是被动等待的深闺弱质，而是在危城中斟酒壮行、以“凯旋相见”相托的知己红颜。花旦行当的细腻做功——斟酒时轻颤的指尖、目送时强忍泪水的转身——将这份“柔情掩于刚毅之下”的深情，刻画得丝丝入扣。
表演精髓｜“一杯壮行酒”的万千气象
这折戏的精彩，全在于毛遂与王湘君之间深沉而克制的对手戏，堪称“无硝烟的战场，有真情的天地”。虽无两军对垒的宏大场面，却以一杯薄酒、数语叮咛，在极简的人物关系中铺展开舍小我、成大我的壮阔胸襟——这既是毛遂从默默无闻到名扬天下的起点，也是王湘君这一女性形象坚韧与担当的集中展现，堪称中国戏曲“小场景写大情怀”的佳作。方寸城门前，传递的是勇气，是担当，更是穿透战火硝烟、历千年而不灭的那份热血与光亮。
王湘君之“忍”与“托”：王湘君虽为女流，却是这折戏的情感支柱与精神明灯。她明知此去九死一生，却将万般不舍深藏心底，以一杯薄酒、数句叮咛，将“儿女情长”升华为“家国大义”。表演上，需通过微颤的手指、欲语还休的眼神、强作镇定的笑容，演出其内心的撕裂与坚忍。斟酒时手不可大抖，偏在杯沿将满未满之际轻轻一顿，满腹离愁尽在这一瞬；转身拭泪时水袖一拂，不可拖泥带水，须干脆利落中暗藏柔情。她送出的不是一碗酒，而是一颗“盼君凯旋”的赤诚之心。
毛遂之“慨”与“愧”：毛遂是“舍小我为大我”的英雄形象。从接过酒杯时的沉默，到饮尽后重重一顿的决绝；从“身如箭发飞楚郢”的慷慨高唱，到回望湘君时那一瞬的低眉——这一人物在短短的送别场景中，经历了从“义无反顾”到“心有挂碍”的微妙转变。表演上，需以大起大落见真章：慷慨时声震屋瓦，似有拔山之力；动情处又骤然收束，喉头微哽，双目含潮。对王湘君的每一句嘱托，他都以“嗯”、“晓得”等极简应答，越是惜字如金，越见胸中激荡。这份“大丈夫有泪不轻弹”的克制，恰是毛遂最动人的底色。
欣赏要点｜捕捉壮行酒中的深情与风骨
欣赏此折，请您沉浸于这场战火中的“深情托付”与“慷慨壮歌”：
看“交流”：注意毛遂与王湘君之间一来一往的眼神与反应。从相见时四目相对的瞬间沉默，到斟酒时欲言又止的凝望，再到饮尽后空杯相递时指尖的一触——每一处交流都藏着千言万语。看王湘君如何以克制的叮嘱传递深藏的牵挂，看毛遂如何以简短的应答与坚定的目光，回报那份沉甸甸的信任。
听“潜台词”：王湘君的许多话看似平常叮咛，实则句句是生死离别的不舍与“盼君归来”的深情；毛遂的“晓得”、“放心”看似轻描淡写，背后却是“此去若不成功，便不再回来”的铁血誓言。品味这些朴素台词背后的真意，方知越朴素，越动人。
品“细节”：关注演员如何处理那杯壮行酒——这个全折情感的焦点。王湘君斟酒时手指微微的颤抖、毛遂接杯时双手的郑重、饮酒前那一瞬的对视、饮尽后空杯示人的决绝、交还酒杯时两人指尖若有若无的触碰……每一处细节都是情感最浓烈的爆发点，值得细细品味。
赏“韵味”：放松身心，享受越剧尹派唱腔的醇厚深沉与傅派（或吕派）的婉转清丽在战火硝烟中的交织共鸣。感受这段发生在危城之下的家国故事，在越剧独特的“吴侬软语”中焕发出的别样魅力——那是一种柔中带刚、于缠绵中见风骨的独特审美体验。
演员介绍
朱华 饰 毛遂 孟伟越剧艺术传习所小生学员
陈燕 饰 王湘君 孟伟越剧艺术传习所花旦学员
折子戏
《山河恋·送信》
Delivering the Letter — from Love Beyond Distance
胡奇志 饰 申息、许玉川 饰 季娣
剧目源流｜从春秋故事到一折“借信传情”的经典折子
越剧《山河恋·送信》取材于春秋时期的历史传奇，在宫廷权谋与人物命运交织的背景下发展出的情感线索。其中《送信》一折最具代表性，它并非以战争或政治冲突为核心，而是以“送信”为媒介，展开一段含蓄而逐渐明朗的情感表白。
展开全文 · Continue reading收起 · Collapse
故事背景｜一封“口信”引出的情感试探
申息，是宫中将领，身份稳重、性格内敛，行事谨慎克制。他在“吴寿书信之事”与季娣相遇时，一见钟情。剧情很快转向更深一层的情感表达。他表面以公事“送信”为由，实际借机试探并表达对季娣的情意。他假借“口信”之名，将内心情意包裹在看似正当的托付之中，实则是一次含蓄而大胆的情感试探。
季娣，则是宫中女官（宫女），聪慧敏感，处事谨慎。她起初只是按规行事，但在与申息的交谈中逐渐察觉对方的弦外之音。随着“书信转口信”“口信要当心”等情节推进，两人的关系从陌生、试探，逐步进入心意相通的微妙阶段。整折戏的重点，不在事件本身，而在“情感如何从遮掩走向显露”。
越剧特色｜从“口信”到“心声”的层层递进
《送信》最精彩之处，在于它用极简情节推动极细腻的情感变化。
唱腔之美：申息的尹派唱腔由克制渐趋深情，尤其在“出我口入你心”“如同见面”等唱句中，情感逐步外放，从理性托付转向直白倾诉；季娣的袁派唱腔则始终保留一份矜持，在回应“我是一见就钟情你”时由迟疑转为轻声应和，使情感关系完成关键转折。
表演之细：整折戏大量依赖眼神与停顿。申息在递出“口信”时的停顿、突然转折的语气，是情感试探的关键；季娣由警觉到低头、由回避到短暂回应的细微变化，则构成情感被触动的全过程。越剧的魅力就在于：不靠强烈冲突，而靠“慢慢说破”。
戏曲行当｜小生与花旦的情感递进
申息｜小生申息属越剧小生行当，多以尹派应工。尹派强调“含蓄深沉、以情入腔”，非常适合这一段从试探到表白的情感变化。他表面以“口信”为名，实际步步推进情感表达，从克制到直白，是人物心理逐渐失控的过程。
季娣｜花旦季娣属花旦行当，多以袁派为主。她的情感不是瞬间爆发，而是在反复试探中逐渐松动。她既要保持身份矜持，又无法忽视申息的情意，因此形成“听懂但不说破”的表演层次，使人物更具真实感与女性心理深度。
表演精髓｜一折戏的核心是“说破”
《送信》的戏剧核心，其实不是“送信”，而是“说破”。
申息之“由借转真”：从一开始借“口信”掩饰情感，到逐渐直接表达“我是一见钟情”，情绪逐步升级，完成从遮掩到坦白的转变。
季娣之“由静到动”：她从礼貌应对，到察觉弦外之音，再到轻声回应“我亦心动”，情感变化是渐进式的，而不是突然转折，这正是越剧细腻之处。
欣赏要点｜听懂“假口信里的真心话”
看“转折”：注意从“送信”到“口信”，这是全折戏的关键结构变化。
听“递进”：申息唱腔从含蓄到直白，是情感逐步失控的过程。
看“眼神”：两人的交流大量发生在未说出口的停顿与对视中。
品“越剧味道”：柔婉唱腔之下，其实是非常大胆直接的情感表达，这种“以柔写烈”，正是越剧独特之处。
演员介绍
胡奇志 饰 申息 孟伟越剧艺术传习所小生学员
许玉川 饰 季娣 孟伟越剧艺术传习所花旦学员
折子戏
《梁山伯与祝英台·十八相送》
The Eighteen Farewells — from The Butterfly Lovers
张立虹 饰 梁山伯、赵芳 饰 祝英台
剧目源流｜从民间传说到越剧舞台的含蓄深情
《梁山伯与祝英台》是中国最广为流传的民间爱情传说之一，被誉为“东方的罗密欧与朱丽叶”。其故事源远流长，早在东晋时期即有雏形，历经唐宋话本、元明戏曲的不断演绎，最终成为中国传统文化中最具代表性的爱情母题之一。
越剧《梁祝》则在20世纪得到高度艺术化的发展，尤其以其柔美细腻的唱腔、抒情见长的表现方式，使这一古老传说焕发出新的舞台生命力。“十八相送”作为全剧中最为经典的折子戏之一，集中展现了人物情感由含蓄试探走向暗潮涌动的关键阶段，是越剧舞台上长演不衰的抒情精品。
展开全文 · Continue reading收起 · Collapse
故事背景｜一段“送别”中的爱情试探
故事讲述了女扮男装求学的祝英台，与书生梁山伯同窗三载，情谊深厚。
学成之日，英台不得不返家。山伯相送，两人一路同行。这“十八相送”，既是现实中的送别之行，更是一场情感上的试探与表达。英台借景抒情、反复设喻，以鸳鸯、夫妻、成双之物暗示心意；而山伯却因性情淳朴、未解情意，往往只作字面理解，形成既含蓄又富戏剧性的互动。
整场戏在行路途中展开，虽无复杂布景，却以“路”为线索，通过一程又一程的停留与对话，层层递进人物关系，将“未说出口的爱情”表现得曲折动人。
越剧特色｜水磨柔情中的言外之意
“十八相送”一折充分体现了越剧以情动人的艺术本质：
唱腔之韵：旋律轻柔婉转，节奏舒缓流动。祝英台的唱腔多带试探与含蓄，语气中藏情；梁山伯则以质朴真挚见长，唱腔平实中见深情。二人一问一答，构成富有层次的音乐对话。
念白之妙：对白充满机锋与双关。英台“话中有话”，借比兴寄情；山伯“答非所问”，却在无意间强化了戏剧张力。这种“说者有心，听者无意”的语言结构，是本折最具魅力之处。
表演之趣：表演强调生活化与节奏感。演员通过步伐的进退、手势的指引与眼神的交流，表现人物关系的微妙变化。看似轻松的行走与闲谈之中，暗藏情感的波澜起伏。
戏曲行当｜同窗表象下的性别与情感张力
祝英台｜花旦（兼小生表演特点）
祝英台虽为闺门旦角色，但在“女扮男装”的设定下，需兼具小生的行止气度。演员既要表现书生的清朗俊秀，又要在细节中流露女性柔情与内心波动，形成“双重身份”的表演张力。
梁山伯｜小生
梁山伯为典型书生形象，质朴敦厚、情感真挚。本折中，他的关键不在“表达”，而在“未觉”。演员需在不自知的状态中流露真情，使人物既显纯真可爱，又为后续悲剧埋下伏笔。
表演精髓｜“说”与“不说”之间的情感博弈
这折戏的核心，在于“情在言外”，其表演精髓可概括为“试、探、藏、误”四层推进：
祝英台之“试”与“藏”：英台是情感的主动者。她不断借景设喻，将内心情意转化为外在言辞——看似谈景，实则表情。演员需把握“欲言又止”的分寸，在含蓄中见深情。
梁山伯之“误”与“真”：山伯虽未领会情意，却始终以真诚相待。他的“误解”并非迟钝，而是一种单纯与正直。表演需避免刻意滑稽，而应呈现自然的“未觉之情”。
核心意象——成双与分离：鸳鸯、蝴蝶、并蒂花等意象反复出现，象征“成双成对”；而“送别之路”本身，则象征分离。两种意象的交织，使整折戏在温柔中隐含惆怅，为后续悲剧埋下深远回响。
欣赏要点｜在轻描淡写中体会深情暗涌
欣赏此折，请您放慢节奏，细细体会其中的“未尽之意”：
品“言外”：留意祝英台的每一句比喻与暗示，那些看似闲谈的话语，往往承载着最真实的情感。
听“对答”：关注两人一问一答的节奏变化。梁山伯的“听不懂”，正是戏剧趣味与情感张力的来源。
观“距离”：舞台上的“同行”与“渐行渐远”，不仅是空间变化，更象征两人情感认知的差异。
悟“未说之情”：这是一段没有告白的爱情。正因为未曾说破，才更显动人，也为之后的“化蝶”悲剧留下无限余韵。
演出团体与寄语
本次《梁山伯与祝英台·十八相送》由孟伟越剧艺术研习所精心呈现。研习所成立十年来，始终致力于越剧艺术的传承与传播，在海外延续这一古老剧种的生命力。值此十周年之际，我们以这段含蓄而深情的“相送”，献给每一位观众。愿您在这段看似轻柔的旅途中，听见未曾说出口的心声，感受到东方爱情独有的克制与深远。
主演介绍：
张立虹 饰 梁山伯：孟伟越剧艺术传习所小生学员
赵芳 饰 祝英台：孟伟越剧艺术传习所花旦学员
折子戏
《梁山伯与祝英台·思祝下山》
Liang Shanbo's Descent from the Mountain — from The Butterfly Lovers
孟伟 饰 梁山伯
《思祝下山》选自茅威涛版新编越剧《梁山伯与祝英台》，是全剧中极具诗意与生活气息的一折。此时的梁山伯得知英台原是女儿身，并已对自己暗许终身，怀着满心欢喜赶往祝家庄提亲。一路下山，他边走边想，往日三年同窗的点滴回忆如画卷般缓缓展开。
唱词以“一边走，一边……”层层递进，将山伯从惊讶、懊悔到欣喜若狂的情绪细腻铺陈。随后以一年四季的生活片段串联两人同窗岁月：烧茶温书、掀被催晨、端午裹粽、偷豆挨打、月下谈心……充满烟火气与青春气息，也让“梁祝”不再只是一个悲剧传说，而成为有温度、有生活感的少年情谊。观众将在这段充满春风与少年意气的下山路上，感受到越剧独有的温柔与浪漫。
这一折最大的特色，在于它淡化了传统戏曲中浓重的程式感，更强调人物真实自然的情感表达。还有一个特别珍贵的地方。台上不仅有老师，还有孟伟越剧的学员们共同参与演出。平时正式演出机会有限，老师与学员能够一起登台，更是难得。观众将要看到的，不仅是一折经典越剧，也是一种艺术薪火相传的过程。
演员介绍
孟伟 饰 梁山伯
伴舞：孟伟越剧艺术传习所学员: 钮晓琳、钱春晖、许玉川（赵芳）、朱华、周凌、胡奇志（王雯）、沈渝懿、刘仲良
嘉宾助演
特邀嘉宾 顾学风
Guest Performer — Xuefeng Gu
顾学风
特邀名家顾学风登台献艺，为十周年专场增辉。
看点
难得一见的客席演出，静候名家风采。
越剧身段
《扇影袖韵》
Yue Opera Dance — Grace of the Fan and Rhythms of the Sleeves
朱华、钮晓琳、胡奇志、陆宇倩、钱春晖、许玉川、周玲、沈渝懿
节目形式｜从“唱念做打”中走出的身段之美
《扇影袖韵》是一段以越剧身段表演为核心的艺术呈现。不同于完整剧情的折子戏，它不以叙事为主，而是从越剧传统表演体系中提炼出最具代表性的动作语言——以形写意，以动传情。
节目以扇子功与水袖功为主要表现手段，将原本服务于人物塑造与剧情发展的动作，独立出来加以编排，使观众得以专注欣赏越剧表演中最精致、最富韵律感的一面。
展开全文 · Continue reading收起 · Collapse
艺术意象｜一扇一袖，写尽东方风雅
“扇影”与“水韵”，既是道具与动作的结合，也是意境的凝练表达。
扇之影：开合之间，或含蓄、或舒展，既可传情达意，也可营造空间层次；一柄折扇，在方寸之间见风度。
袖之水：水袖轻扬，如波如练，柔中见力，动中有静，是越剧最具标志性的美学符号之一。
当扇影与水袖交织，舞台仿佛流动起来——不是实在的水，而是一种“可见的韵律”，一种东方审美中含蓄、流转、留白的诗意表达。
音乐与身段｜“有声”与“无声”的交相辉映
本节目采用越剧唱段作为背景音乐，在有唱词的旋律中展开身段表演。
舞台上演员以身段“听见”音乐，以动作“延展”情绪。
唱词所承载的情感，通过水袖的起伏、扇影的流转，被进一步放大与具象化；而身段的节奏，又与音乐的板式呼应，使视觉与听觉形成统一的审美体验。
表演精髓｜动静之间的分寸与呼吸
越剧之美，贵在“分寸”。身段表演尤为如此。
看“起落”：每一次抬手、转身、收势，都有来有去，讲究圆融连贯；
看“轻重”：水袖虽柔，却非无力，轻重之间体现内在气息；
看“停顿”：恰到好处的“停”，往往比动作本身更耐人寻味；
看“呼吸”：动作并非机械连接，而是随音乐、随情绪自然流动。
所谓“行云流水”，不仅是形态，更是一种内在节奏。
欣赏要点｜如何看懂一段“没有故事”的表演
面对没有明确情节的身段节目，不妨换一种观看方式：
不必寻找具体人物与故事，而是感受情绪的流动；
不必执着“演了什么”，而是体会如何去表现“美”；
留意动作之间的连接与呼应，欣赏那种不言而喻的表达。
当您开始注意到袖子的轨迹、扇子的开合、以及动作与音乐的呼应时，便已经走进了越剧的审美世界。
演员介绍
（暂空）
在《扇影袖韵》中，没有跌宕的情节，却有流动的诗意；没有对白的铺陈，却有无声的表达。
一扇一袖之间，尽是风雅。
折子戏
《西厢记·传简》
Delivering the Letter — from Romance of the Western Chamber
尺素传情 · 雅趣妙对 · 人性微光 · 越韵风流
孟伟 饰 张生、史冬梅 饰 红娘
剧目源流｜从元杂剧到越剧舞台的经典再造
《西厢记》（又名《崔莺莺待月西厢记》《王西厢》）是元代剧作家王实甫创作的杂剧经典，约成书于十三世纪末的元贞、大德年间。这部作品不仅开创了中国古典爱情戏剧的高峰，更穿越时代，不断被赋予新的生命——明代李日华将其改编为南曲《西厢》，至清代以降，昆曲、京剧及众多地方剧种纷纷搬演，成为中国传统戏曲题材的一大来源。
在众多演绎之中，越剧《西厢记》如同细腻婉约的江南工笔，被誉为越剧“四大经典”之一，从上世纪30年代起，就有越剧先贤们根据原著扮演的剧目面世。袁雪芬、范瑞娟、尹桂芳等前辈所塑造的莺莺和张珙的形象更是深入人心，成为越剧史上的璀璨明珠。
展开全文 · Continue reading收起 · Collapse
故事背景｜一封信如何搅动深闺心池
越剧《西厢记》讲述的是书生张珙（字君瑞）在山西普救寺借宿期间，结识了暂居寺中西厢的相国之女崔莺莺。二人以诗词唱和，情愫暗生。不久，叛将孙飞虎率兵围困普救寺，欲强夺莺莺。危急关头，莺莺之母郑老夫人当众许诺：凡能解围者，便将女儿许配于他。张生遂修书结拜兄弟蒲州太守杜确求援，杜太守随即发兵解围，化险为夷。
事后，郑老夫人以门第不当为由反悔婚约，张生因此相思成疾，莺莺亦忧思难解。在丫鬟红娘的巧妙周旋下，二人暗中通信，终得西厢幽会，私定终身。
此事终被老夫人察觉，原欲严加责罚，却在红娘据理力争之下无从发作。无奈之余，老夫人提出条件，命张生进京应试，若能金榜题名，方允婚事。莺莺在长亭挥泪送别张珙。
《传简》讲的是莺莺假意回绝张珙的“情书”，命红娘去送“绝交信”。一方是机敏伶俐、有意成全却又暗自观察的婢女；另一方是情深难抑、见字如晤的痴心书生。整场戏围绕书信的传递、试探与心迹的流露展开，在红娘的直率热忱与张生的文弱痴情之间，碰撞出诙谐而温馨的火花。越剧特有的吴侬软语、婉转唱腔，更赋予这出仅有两人的戏码以生动韵味与缠绵情致。
虽无宏大场面，却以一纸书信穿针引线，在极简的人物关系中织就丰富的情感张力——这既是崔张恋情的关键转折，也是红娘人格魅力的集中展现，堪称中国戏曲“以小见大”的典范。方寸尺素之间，传递的是勇气，是真心，也是人性深处那份跨越礼教束缚的温热与光亮。
越剧特色｜吴侬软语如何唱尽儿女情长
《传简》一折虽为对子戏，却充分展现了越剧音乐与语言的独特魅力：
唱腔之美：旋律婉转柔美，抒情性极强。红娘的吕派明快流畅，张生的尹派唱腔则深情跌宕，两者交织，悦耳动听。
念白之趣：同样是真性情的展现，红娘的刀子嘴豆腐心，张生的忠诚酸腐，相映成趣，生活气息浓厚，使人物跃然台上。
表演之细： 越剧表演以“细腻”著称，在这折戏中，两位演员通过眉眼传情、水袖轻拂、步态转换等细微之处，将人物内心活动外化得淋漓尽致。
戏曲行当｜生旦各司其美，共成一出好戏
张生｜小生
小生是越剧最具代表性的行当之一，常演绎风度翩翩的佳公子。本场《传简》以尹（桂芳）派小生应工，尹派小生的俊逸洒脱风流儒雅极好地表现了张珙“酸秀才”的狂放和深情。
红娘｜花旦
花旦是与小生相配的最重要的行当，涵盖了大家闺秀、小家碧玉等青春年少、貌美如花的形象。本场红娘是以吕（瑞英）派花旦应工，吕派善于塑造英姿飒爽、明快俏丽、大气沉稳的年轻女性形象，因此能够充分展示红娘的简捷爽快、侠骨柔肠。
表演精髓｜“两人一台戏”的无限妙趣
这折戏的精彩，全在于红娘与张生之间妙趣横生的对手戏，堪称“无花的舞台，有戏的天地”。
红娘之“直”与“曲”： 红娘虽身份是婢女，却是这折戏实际的主导者与观察者。她言辞爽利，行动伶俐，对张生的“痴”既有同情揶揄，也有成人之美的心。表演上，需通过灵动的眼神、清脆的念白和轻盈的身段，演出其热心、机警与几分可爱的“狡黠”。她传递的不仅是信，更是对爱情的信心与勇气。
张生之“痴”与“诚”： 张生是典型的“情痴”书生形象。从焦急等待回信到见信后精神陡振，情绪大起大落，表演极具反差与喜感。他解读“药方”时的狂喜、对红娘反复的恳求与道谢，将读书人的真挚与迂腐融为一体，可笑又可爱。
核心道具——书简： 这封书信是全场焦点。但直到事情似乎发展到穷途末路才由红娘在不经意间想起，红娘的一触，一取，一送，一丢，张生的一顿，一踌躇，一跺脚，一捡，每个环节都设计巧妙。当张生忍着心头的狂跳，偷眼看向书简的时候，观众的心也会随之狂跳起来。
欣赏要点｜捕捉尺素之间的情感电波
欣赏此折，请您沉浸于这场精妙的“心理游戏”与“语言艺术”：
看“交流”： 注意红娘与张生之间一来一往的对话与反应，如何从试探到信任，从客套到恳切。
听“潜台词”： 红娘的许多话看似打趣或抱怨，实则充满关怀与鼓励；张生的许多话看似痴傻，却是一片赤诚。品味台词背后的真意。
品“细节”： 关注演员如何处理那封信——这个情感的核心载体。张生展信、读信、藏信时的神态与动作，是情感最浓烈的爆发点。
赏“韵味”： 放松身心，享受越剧唱腔如江南流水般的温润婉转，感受古典爱情故事在越剧独特语汇下焕发的清新魅力。
主演介绍
孟伟 饰 张生 孟伟越剧艺术传习所创始人
史冬梅 饰 红娘 京剧魁北克艺术中心核心成员
折子戏
《牡丹亭·幽媾》
A Secret Lovers' Tryst — from The Peony Pavilion
钮晓琳 饰 柳梦梅、钱春晖 饰 杜丽娘
剧目源流｜从“临川四梦”到越剧舞台的至情幻梦
《牡丹亭》（全名《牡丹亭还魂记》）是明代剧作家汤显祖的“临川四梦”之首，被誉为中国浪漫主义文学的巅峰之作，成书于万历二十六年（1598年）。这部“情不知所起，一往而深”的传奇，以其超越生死的至情主题，数百年来震撼了无数心灵。从昆曲的典雅传承，到各地方剧种的精彩演绎，《牡丹亭》始终是戏曲舞台上长盛不衰的经典题材。
越剧版的《牡丹亭》承袭了原著的瑰丽想象与深情内核，并以其特有的温婉细腻、唱腔柔美进行诠释，成为越剧舞台上一朵梦幻奇葩。本次上演的《幽媾》一折，正是全剧情感与戏剧张力的高潮段落，将“人鬼相恋”的奇绝想象与“情能还魂”的坚定信念展现得淋漓尽致。
展开全文 · Continue reading收起 · Collapse
故事背景｜一场跨越生死的书房幽会
《牡丹亭》讲述了南宋时，南安太守杜宝之女杜丽娘，于春日游园后，在梦中与书生柳梦梅相会，醒后因情成疾，伤春而逝。临终前，她自画真容，藏于后花园太湖石下。三年后，岭南书生柳梦梅赴京应试，途经南安，借住杜家旧园，恰巧拾得丽娘画像，对画中人日夜思念，声声呼唤。
《幽媾》一折，便始于这深情的呼唤。杜丽娘的魂魄被柳梦梅的至诚感动，深夜前来书房相会。一方是痴情不改、不惧鬼神的书生；另一方是感其诚挚、为情还魂的幽魂。整场戏在深夜书斋的特定情境中展开，充满了神秘、缠绵而又勇敢的气息。越剧的吴侬软语与婉转唱腔，将这段超越阴阳的恋情演绎得既凄美动人，又热烈真挚。
虽无繁杂场景，却以“一画一梦一魂”为线索，在亦真亦幻的时空中，铺陈出人性深处对自由与真爱最极致的追求——这既是杜柳爱情得以实现的关键，也是《牡丹亭》“至情”主题的集中爆发，堪称中国戏曲“因情成梦，因梦成戏”的哲学与诗意的完美呈现。
越剧特色｜水磨雅韵如何诉说生死奇恋
《幽媾》一折作为经典的对子戏，充分融合了越剧的抒情特质与《牡丹亭》的古典诗意：
唱腔之韵：旋律在深情中蕴含幽怨，在缱绻间透出空灵。柳梦梅的唱段充满书卷气与惊喜交织的激情，杜丽娘的唱段则如泣如诉，在鬼魂的飘渺与少女的炽热间取得精妙平衡，两者的唱腔交织，营造出梦幻般的听觉享受。
念白之雅：念白文雅而富有情致，既符合书生与大家闺秀的身份，又在诗词唱和中传递澎湃的情感。柳梦梅的痴语与丽娘的哀诉，构成了极具文学美感的对话。
表演之幻： 本折表演重在“虚实相生”。杜丽娘的出场与身段，需兼具鬼魂的轻盈飘忽和见到情人时的实体感；柳梦梅则需从惊疑到确信，再到狂喜，情感跨度极大。演员通过水袖、台步、眼神的细腻控制，在方寸舞台上构建出一个真实可感的“幽冥情园”。
戏曲行当｜生死相隔，行当各展其美
柳梦梅｜小生
柳梦梅是典型的巾生（年轻书生）形象。本场演出即为尹（桂芳）派经典应工，其俊逸深情、儒雅洒脱的艺术风格，能完美诠释柳梦梅身为文人的痴情、浪漫与面对超自然现象时，从惊惧到坦然接纳的勇气与真诚。
杜丽娘（魂）｜闺门旦
杜丽娘的魂灵属于闺门旦，但需带有“鬼魂旦”的表演特点。这要求演员在保持闺门旦端庄优雅的基础上，融入身形飘忽、气息幽怨的特质。演唱需空灵婉转，身段需如风中弱柳，以此区分于生前实体的丽娘，展现一种超凡脱俗的凄美。
表演精髓｜“人鬼情未了”的舞台炼成
这折戏的精彩，在于将一段不可能之恋演绎得令人信服且动容，关键在于演员对“惊、疑、痴、信”四个层次的精准把握。
柳梦梅之“痴”与“勇”： 柳梦梅是全剧“情”的主动追寻者。面对夜访的“女鬼”，他的反应层次极为丰富：初时的惊骇，辨认后的疑虑，确认身份后的狂喜与怜惜，以及最终超越生死界限的坚定接纳。表演需在书生的文弱外表下，展现出“情至”所带来的巨大勇气。
杜丽娘（魂）之“幽”与“挚”： 杜丽娘的魂魄，是“情”的化身与归宿。她既有鬼魂的幽怨与冷凝，更有被真情唤回的炽热与主动。表演上，需要通过虚浮的步态、哀婉的眼神和骤然迸发的情感热度，形成鲜明对比，展现其为爱穿越生死的执着。
核心意象——画像与梦境：这折戏的情感基石，是那幅画像和曾经的梦境。柳梦梅对画的呼唤是引子，而两人相见后对梦中情景的印证，则是情感升温的催化剂。演员如何通过眼神和身段，在“看 画”、“认人”、“忆梦”几个环节中建立牢不可破的情感联系，是打动观众的关键。当二人双手相触，阴阳相隔的冰冷被真情融化时，便是全折最动人心魄的时刻。
欣赏要点｜沉浸于至情至幻的古典浪漫
欣赏此折，请您暂时忘却现实的逻辑，全心沉浸于这段被情感法则重新定义的古典浪漫之中：
品“情境”： 感受舞台如何通过灯光、音乐和表演，营造出夜深人静、月色朦胧、人鬼相遇的独特氛围。
听“情语”： 重点品味柳梦梅与杜丽娘的大段对唱与念白。那些文辞优美的曲词，字字句句都是真情的直接剖白，是理解两人内心世界的钥匙。
观“情动”： 关注演员细微的身段与表情。柳梦梅从震惊到怜爱的眼神变化，杜丽娘从幽怨到欣喜的情感流转，每一个停顿、每一次水袖的挥动，都可能暗含汹涌的情感波澜。
悟“情理”： 尝试理解汤显祖笔下“生者可以死，死可以生”的“至情”观。这场幽媾不仅是剧情的需要，更是对“爱情拥有超越一切现实束缚力量”的极致歌颂。
演出团体与寄语
本次《牡丹亭·幽媾》由孟伟越剧艺术研习所精心呈现。研习所成立十年来，始终以传承与弘扬越剧艺术为宗旨，致力于在海外播撒中国传统戏曲的种子。值此十周年庆典之际，我们以这场穿越生死的至情幻梦，献给所有热爱艺术、相信美好的您。愿您能在这场“幽媾”中，感受到超越舞台的、永恒的情感光芒。
主演介绍：
钮晓琳 饰 柳梦梅：孟伟越剧艺术传习所小生学员
钱春晖 饰 杜丽娘：孟伟越剧艺术传习所花旦学员
折子戏
《碧玉簪·送凤冠》
The Phoenix Coronet Presented — from The Jade Hairpin
孟伟 饰 王玉林、史冬梅 饰 李秀英、黄湘燕 饰 陆氏、朱华 饰 王裕、吕琰 饰 李廷普、张立虹 饰 李夫人、沈渝懿 饰 春香
流派经典——金派与陆派的艺术交辉
《碧玉簪》是越剧舞台上非常重要的一部传统剧目，也是越剧表演艺术家金采风的代表作之一。全剧以细腻真挚的情感表达和典雅清丽的舞台风格见长，是金派艺术最具代表性的作品之一。
金派以闺门旦见长，兼擅花旦，唱腔婉转流畅、秀丽中见力度，重视字音清晰与行腔圆润，讲究“情随腔走、声为情设”。整体风格柔中带刚、甜而不腻，既有江南水乡的温婉气质，也能在情绪转折处体现出内在的力量感。李秀英这一角色的隐忍、委屈与克制，都通过细腻的唱腔层层推进，是金派艺术的典型体现。
本次演出中，王玉林由陆派小生应工。陆派由陆锦花创立，唱腔清丽俊逸、流畅自然，讲究气息舒展与行腔明快，音色明亮而不浮，韵味清雅而不弱。其特点在于“以气带声、以声传情”，唱法干净利落，同时富有生活气息与人物感。在舞台处理上，常在儒雅书卷气之外加入轻巧灵动的节奏，使人物更具亲和力与喜剧色彩。
陆派与金派一柔一润、一秀一雅，在同一舞台上形成自然对照，使人物情感更为丰富，也让整折戏的听觉层次更加分明。
展开全文 · Continue reading收起 · Collapse
故事梗概——一场因误会而起的婚姻风波
《碧玉簪》讲的是一段由误会引发、最终解开的夫妻故事。
李秀英与王玉林奉父母之命成婚。新婚之夜，秀英表兄顾文友因求亲不成心生怨意，将伪造情书与碧玉簪暗中放入新房。王玉林因此误会李秀英婚前不贞，从此心生隔阂。
李秀英不知缘由，只能默默承受冷落。多年之后真相大白，王玉林悔恨不已。随后他高中状元，携凤冠霞帔登门赔礼，希望修复夫妻关系。
《送凤冠》——戏剧冲突的高潮与化解
误会已经澄清，但情感并没有立刻回到原点。王玉林带着凤冠前来，是想弥补、是想重修旧好；李秀英面对多年委屈，却并不能轻易释怀。因此，这一折的矛盾很集中，也很克制：
一边是“送”的诚意，一边是“接不接”的犹疑；一边是想重新开始，一边是过往伤痕还在。戏剧冲突并不复杂，但通过不断的波折——送，拒，又送，又拒，再送，再拒……使观众的心也跟着起起伏伏。
行当丰富——人物各有分寸，各有性格
《送凤冠》人物丰富，行当齐全，性格都很鲜明。
李秀英为闺门旦，重在情绪的层层递进与内心起伏；
王玉林为小官生，在儒雅俊秀之外，也带有轻松生动的喜剧气息，使人物更贴近生活，不显沉重。
配角方面：
双方父亲均由老生应工，性格端方持重，重礼法、讲分寸；
秀英之母为正旦，端庄贤惠、温婉克制；
玉林之母为老旦，她既慈爱宽厚，又带有鲜明的亲和力与烟火气，情感表达直接而不失分寸，尤其擅长在劝和、调停中展现人物的幽默与人情味，通过极具生活感的念白与唱腔处理，把“婆婆”这一形象从单一的长辈角色，塑造成一个真实、可信、甚至带点俏皮感的家庭核心人物。她不只是推动剧情的人物，更是情绪的“缓冲点”，让原本紧张的关系在她的出现中得以松动，也让整折戏更有人情温度与观赏趣味。
唱念做表——细节里见功力
在“送凤冠”一折中，唱腔几乎覆盖了整场演出，除金派花旦和陆派小生外，还有刚健质朴的老生，端庄温柔的正旦，以及极具特色的周（宝奎）派老旦的唱念表演，可谓花团锦簇目不暇给，每个人物都活灵活现地体现在每一段唱腔当中。
主演介绍
孟伟饰王玉林 孟伟越剧艺术传习所创始人
史冬梅饰李秀英 京剧魁北克艺术中心创始人，董事会主席
黄湘燕饰陆氏 孟伟越剧艺术传习所老生老旦学员
朱华饰王裕 孟伟越剧艺术传习所小生学员
吕琰饰李廷普 京剧魁北克艺术中心艺术顾问、理事会成员
张立虹饰李夫人 孟伟越剧艺术传习所小生学员
沈渝懿饰春香 孟伟越剧艺术传习所花旦学员